映画感想:『ニュー・シネマ・パラダイス』は映画好きのための映画


映画「ニュー・シネマ・パラダイス完全オリジナル版」日本版劇場予告


映画好きの映画好きによる映画好きのための映画。

タイトルは『ニュー・シネマ・パラダイス(イタリア原題:Nuovo Cinema Pradiso』)』、映画好きのパラダイスのような映画なのだ。


まず音楽が良い。

音楽が良い映画は良い映画だ思う。例えば『ゴッドファーザー』。『ゴッドファーザー』に音楽がなかったら、静かにすたれゆくマフィアの物語にただただ悲しい話になってしまう。そこに哀愁のある音楽があるために、『ゴッドファーザー』は名作なのである。

本作も音楽がとても良い。
作品全体にあるノスタルジックな雰囲気に音楽がマッチしている。優しく、愛情があふれていて、そして未来への希望がある音楽。去年からの流行りで「音楽生演奏映画」というものがあるが『ニュー・シネマ・パラダイス』があれば行ってみたい。


Ennio Morricone: Cinema Paradiso with Gimnazija Kranj Symphony Orchestra



出演者も良い。
主人公トトの少年時代を演じたのは、現地シチリアで生まれ育ったカシオ少年。演技っぽくなく、純粋に映画が好きな少年の役柄にぴったりだ。彼の映画を観ている時の笑顔がとても魅力的である。映画好きのあらゆる年代の人が、彼の笑顔を見て自分の原点を思い出すだろう。「ああ映画って良いものだ」と。「映画とは、至高の娯楽」なんだと。


また映画を観る姿勢についても考えさせられる。
現代の映画館で映画を観るときは「静かに、音を立てずに観なければならない」とされている。観客は面白くってたまらないシーンでも笑い声をあげてはいけないし、悲しくて仕方ないシーンで嗚咽をもらしてもいけない。演奏シーンがあったとして演奏後に拍手をしてもいけない。隣に座っている恋人に、ちょっとした感想を話すのもルール違反だ。
本作中の映画館、シチリア島の映画館ではそんなルールなど存在しない。子どもたちは面白いシーンでは大声を出して笑い、大人たちはキスシーンがカットされた場面で大きなため息をつく。何度も同じ映画を観たおじさんはその映画のストーリーを口に出してしまう。とにかく自由だ。

かつて自分が訪れたインドの映画館もそうだった。ちょっとした感想を語りたい場面では隣の人に平気で話しかける。電話に出る人もいる。ヒンドゥー語はわからなかったが「よお、悪いけど今映画観てるけど後にしてくれる?え?ふられた?それは大変だ!」なんてこと話してるんだろう。
いつの間にか映画は静かに観る神聖なものになってしまったが(日本人の国民性もあるだろうが)、実際に声は出さないまでも、声を出さざるを得ないほど感情をゆさぶられるものだという映画の本質を思い出させてくれる。


最後に、これはもう何千回、何万回と語られたであろうが、ラストシーンは映画史に残る屈指の名シーンだと思う。

本作は、観ている間に終止目が離せないほどのシーンが続くわけではない。初見では「名作と言われているけど、それは過大評価なんじゃないか?確かにトト少年の映画を楽しむシーンとかはいいけど…」と思ってしまうほど、中だるみと感じてしまうところもある。自分が観たのはオリジナルバージョンだが、完全版だと3時間近くあり、ラストシーンまでが長い。

ただ、それまでのすべてがここにつながっているのだと思えるワンシーンであり、そこまで観て良かったと心の底から思える。
涙、涙、映画好きなら感動せざるを得ない。「映画とは、かくも素晴らしいものなのだ」という感情があふれてくる。

名前負けしてしまいそうなタイトルである『ニュー・シネマ・パラダイス(イタリア原題:Nuovo Cinema Pradiso』)』。
名前負けは全くしていない。むしろ、この映画のためのこのタイトル、である。


こんな映画に出会えるから映画好きはやめられない。

映画感想:『イミテーション・ゲーム』はマイノリティのスポットライト


映画『イミテーション・ゲーム/エニグマと天才数学者の秘密』予告編

メディアとは本来「媒体」のことである。物事と人をつなげる役割を果たす。

ただメディアには、他の側面もある。「光をあてる」ということである。

この風刺画を一度は見たことがある人は多いだろう。

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全体における一部のみに光をあてることへの批判、それを風刺したものである。時に意図的に一部のみが伝えられ、事実と反する誤解を与えてしまう、あるいは間違った理解を意図的にさせることができるというメディアの負の側面である。

一方でアラン・チューリングのような不遇の人に光をあてるのもメディアの一つの側面だ。

そう、本作で取り上げられているアラン・チューリングは不遇の人だ。
暗号解読で大きな成果をあげ第二次世界大戦終結に貢献したものの、その暗号解読が英国の機密事項だったため、彼はその行為によって賞賛されることはなかった。また当時は同性愛が認められておらず、同性愛者であった彼は有罪となり、最終的に自殺してしまう。

死後、英国では徐々に情報公開がなされ、2012年にはエリザベス女王の名のもと、恩赦が与えられた。そして2014年、本映画が公開され、世界中の人が彼の功績/人生を知ることになる。


映画というメディアの「光をあてる」という役割、それが機能するためには、そうしようとする監督や脚本家が必要だ。

本作に関しては、脚本家のグレアム・ムーアが発案だ。彼がアラン・チューリングの伝記を読み、脚本を書き上げた。なぜそうしようと思ったのか。その理由を、作中のアラン・チューリングの元婚約者ジョーン・クラークのセリフ、そしてグレアム・ムーアのアカデミー賞スピーチから理解することができる。

一つ目、アラン・チューリングが落ち込むシーンでジョーンがこう声をかける。

あなたが普通じゃないから、世界はこんなに素晴らしい

そしてグレアム・ムーアのスピーチ

When I was 16 years old, I tried to kill myself, because I felt weird and I felt different and I felt like I did not belong. And now I am standing here.
So I would like for this moment to be for that kid out there who feels like she’s weird or she’s different or she doesn’t fit in anywhere. Yes, you do. You do. Stay weird, stay different. And when it’s your turn to stand on this stage, pass the message along.

私は16歳の頃、自殺を図りました。それは自分があまりにも変わっていて、周りと違い、居場所がないと感じていたからです。でも、今私はここに立っています。私はこの場を、自分は変わっていて、他の人と違っている、だから居場所がない、そう感じている子供たちのために捧げたい。あなたにはもちろん居場所があります。そのままで、変わったままで、違うままでいてほしい。(私のように)人生の素晴らしいステージに立つときが必ずきます。そしてそのとき、あなたがこのステージに立った時、どうか次にこのメッセージを繋げてください。


これほど、マイノリティに力を与える言葉があるだろうか。
誰しもが孤独を抱えている。自分には居場所がないんじゃないかと感じることがある。そんな不安を払拭してくれるような、マイノリティを肯定してくれる名作だった。

映画感想:『そして父になる』の福山雅治の演技は素晴らしい


映画『そして父になる』予告編

福山雅治の演技へのアンチが多いようなので、それに関しての個人的な感想を。

本作での福山雅治の演技は良かったように思う。
「演技うまい」ということではない。キムタクと同様に、彼もまた何を演じても「福山雅治が演じている」ことがイメージとして先行してくる。

その「福山雅治らしさ」が、エリートビジネスマン野々宮良太のイメージと合致していた。

野々宮は、エリートビジネスマンを一般化したような人物だ。

一流の建築界社につとめる建築家であり、都心のタワーマンションに住んでいる。優秀であるが故に大きな仕事を断続的に任されており、休みの日も仕事、夜家に帰ってからも仕事とワーカホリックな状態だ。一方で息子との時間を全く割いていないわけではなく、仕事と仕事の合間に受験の面接に行ったりと最低限「父親」であろうとしている。

都会のエリートの「型」にはまったような人物で、彼もそんな自分を良しとしている。

そんな「型」にはまったエリート感、ある種の硬さが、福山雅治の「型」と合致している。

例えば、今まで違う家庭(群馬の電気屋で自由)で育った子どもに対して、「これがルールだ」なんて言っちゃうあたりがエリートビジネスマンの人情の希薄さを揶揄しており、それが福山雅治の「硬さ」と合致してとても良い演技だと感じる。


一方のリリー・フランキー。彼の演技というか、本人の元々持った性質(ゆるーーい大人)が、群馬県のどうしようもない、だけど愛情深い家庭の父親の人物像とうまくシンクロしている。


子を持つ人であれば何かしら考えるところがあるテーマ、そして登場人物像に合致するキャスト。是枝監督の特徴とも言える音楽の少ない静かな作品の雰囲気。テーマとキャスト、そして監督の色。とてもストレートで爽やかだからこそ、取り上げているテーマを深刻ではないが真剣に考えられる作品だった。

映画感想:『オクジャ』と北海道の猟師から考える食肉


この子は、私の大切な家族。『オクジャ/okja』家族編 (30秒)


韓国出身ポン・ジュノ監督が各映画会社に企画を持ち込み、多くは断られ、NETFLIXのみが賛同。予算50億ドル、内容に関してNetflixは口を出さなかったもので、それゆえに自由に作られた作品になっている。

確かにショッキングな内容で、アメリカの映画会社が断ったというのも頷ける。食品業界からの反発は必須であり、利害関係を考えた結果リスクが大きすぎるのだろう。

本作を飾らない一言で言えば「韓国版トトロが実は食用の家畜で、その是非を様々な立場の人の視点を通して見る作品」である。


オクジャが預けられた家の子どもであるミジャから考えればオクジャは「親友」である。物心がないころからずっと一緒であり「家族の一員」であるとも言えるだろう。オクジャが食用に作られた動物であろうがなんであろうが関係がない。

アメリカの大企業未ランド社CEOのルーシーは、オクジャプロジェクトを成功させることは「会社の成功=自己実現」であると考えている。

ルーシーの姉ナンシーはさらに合理的。オクジャを金銭的価値でしか評価しない。お金を払おうがオクジャを手放さなかったルーシーに対して、ナンシーはお金さえ払えばオクジャを渡してもよいという考え方をしている。

動物愛護団体ALFリーダーのジェイもまた、オクジャを彼らの理念を実現するための「手段」としか見ていない。名目上は彼らは「動物愛護団体」なのでオクジャとその家族であるミジャを大事に扱うのだが、何かずれている。彼女らを大事にすることが目的というよりは、彼らの理念を実現するために欠かせないために大事に扱っているという印象を受けるのだ。

そして食肉工場の職員。彼らは、オクジャを「モノ」としか見ていない。それ以上でもそれ以下でもない。

皆それぞれの立場で違う考え方を持ってオクジャに接する。
オクジャとミジャにとっては、たまったものではないだろう。

ただ、彼らの姿勢を全否定するわけではない。
自分も生きる糧として肉を食しているわけで「動物が可哀想だから」と肉を食べることをやめることはできない。

肉をやめることはできない。それならそれで、その裏側にどういう思惑の人がいて、自分たちのところに「肉」が届くのか、それを都度考えるきっかけになるのではなかろうか。

少し前のNHK「プロフェッショナル仕事の流儀」で、北海道の猟師の特集をしていた。

久保俊治(2017年4月17日放送)| これまでの放送 | NHK プロフェッショナル 仕事の流儀

彼は動物を後ろから狙わない。また1発でしとめるように頭を狙う。なぜなら無駄に動物を苦しめてしまうから。自分が生きるために、最大限「動物を尊重する姿勢」を持ち、猟を行っていた。

鉄砲を撃って野生の動物を取ることがかわいそうだ、と批判されることもある。しかし、昼食にとれたての鹿肉を食べながら、久保は語った。「そういう人は、どんな肉も食べないのだろうか。今はと殺が分業化され、一番嫌なところは自分がタッチしなくてもいいだけではないか。私は、熊も、鹿も、鴨(かも)を食べる時だって、ちょっと前まで生きてたって意識は常に持っている。」

美味しい肉を作るために遺伝子操作を行うことは、動物を尊重する姿勢を持っている行為だと言えるだろうか。否、言えないだろう。

「いただく」という行為に対しての姿勢を考え直させてくれる。そんな作品だった。

映画感想:『20センチュリー・ウーマン』の各シーンを切り取って写真展を開きたい


20th Century Women | Official Trailer HD | A24


素晴らしい作品だった。今のところ、2017年に観た映画でベスト。


稚拙な感想に聞こえてしまうかもしれないが、とにかく「キラキラ」している。ポスター写真の雰囲気そのままだ。
1970年代という女性の社会的な立場の議論が活発だった時代、今よりも社会進出する女性が少なかった時代、そんな時代の3人の女性が生きることの複雑さとその素晴らしさを教えてくれる。


この映画の良さを3つの点から伝えたい。

キャスト

まずキャスティングが素晴らしい。

15歳ジェイミーを演じるのはルーカス・ジェイド・ズマン。子どもらしさも残りつつ、声がわりして声は大人という少年と青年の狭間をうまく演じている。彼のこの一瞬はこの映画にしか残らないだろう。

ジェイミーの母ドロシーを演じるのはアネット・ベニング。自身も4人の母親であるアネット・ベニング。思春期の息子への接し方への葛藤。また自分の考えをしっかり持った大人の女性。1人の人物の2つの表情がうまい。

子宮頸がんと闘病する写真家アビーを演じるのはグレタ・ガーウィグ。赤髪と闘病による物憂げな表情が印象的。

ジュリーを演じるのはエル・ファニング。少し悪いことも覚えて、ただ漠然とした不安もあり、基本的に無愛想。そんな17歳のジュリーを見事に演じている。

かつてヒッピーコミュニティーに属していた大工ウィリアムを演じるのはビリー・クラダップ。知らなかったのだが、トニー賞も受賞した名優。言葉が少ない役柄だが、元ヒッピー中年の悲哀がじんわり伝わってくる。抑えた演技が魅力的だ。

音楽

1970年代のアメリカではロックが流行っていた。当時流行っていた曲をいくつも聞くことができる。
またそれとは違う、要所で流れる爽やかなBGM。カラフルな水玉が弾けるようなメロディーで、彼女たちの生の一瞬一瞬の輝きを感じることができる。

映像

1つ1つのカットに深いこだわりがあるのがすごく伝わってくる。
劇中のどのシーンを切り取っても、写真展が開ける作品にできるようで。

中でも一番好きなのは、ジェイミーがスケボーを使っているシーンだ。
緩やかな坂を、緩やかにスケボーで下るジェイミー。そして、それを少し離れて車で追う母ドロシー。
そして最後ではその2人が重なり…




大成功するという話でもないし、大失敗するという話でもない。
衝撃的な展開がある話でもない。
劇中で描かれている彼女たちの人生の一部は、一部でしかなくハイライトということでもない。

では、なぜここまで魅力的なのか。
それは監督/脚本家の人を見る視点の優しさと繊細さ、それをうまく表現した映画としての出来が素晴らしいからだろう。



色々な感情を抱えている時にまた観よう。そう決めた。

映画感想:『ウルフ・オブ・ウォールストリート』には「理性」という概念が存在しない


『ウルフ・オブ・ウォールストリート』 予告編


欲望。多くの動物が生きるために持っているもので、動物である人間ももちろん持っている。
しかし人間が他の動物と違うのは「理性」があるということだ。
「理性」により人間は高度な文明を築きあげ、大きな力を持つようになった。


そして本作の主人公、レオナルド・ディカプリオ演じるジョーダン・ベルフォートには「理性」がほとんどない。
金、女、ドラッグ。欲望の象徴として語られるそれらに対しての欲求が異常だ。
金を得るために人を騙し、得た金を女とドラッグ、数々の贅沢品につぎ込む。

ここまで欲にまみれた人物なんかいないだろうと思うと、実話なんだから驚く。ジョーダン・ベルフォート本人に、本作でえがかれる数々のgreedyなエピソードはほとんどが本当にあったことなんだとか。自家用船舶が沈没しかけている時に、盟友?ダニーに何よりも優先して「ドラッグ」を取りに行かせたことなんかも実話なんだから飽きれてしまう。


「ベルフォートは異常だ。普通の人には理性がある。自分とは違う。」

この映画を観て多くの人はこう思うだろう。


ただベルフォートは最初からそうだったわけではない(少なくとも映画の中では)。就職した先に金融マン(ダラス・バイヤーズクラブの撮影で劇ヤセしていたマシューマコノヒー)の言動に引いているし、ダニーが彼にドラッグをプレゼントした時は(最初は)固辞した。

決して根っから欲望深いわけではないし、成人してからも健全な範囲で「稼ぎたい」と考える普通の人だった。

しかし彼には才能があった。「人を騙してお金を稼ぐ」才能が。

金を女とドラッグ、数々の贅沢品が手に入れられるようになると、その快楽にはまっていく。普通はある程度のところで自分の過ちに気づくのだが、彼はお金という「力」があったため抜け出すことができない。そうして長い期間快楽の世界にいたため、その世界から抜け出せなくなってしまう。彼は自分の逮捕された後にも全く反省する様子が見られない。「退屈だ」と言っているだけだ。


人間は欲には勝てない動物なんだろう。

理性の強弱に多少の違いはあるとしても、誰しもが欲に負けることはある。
100%、欲望を我慢することができます。なんて人はいない。


彼も普通の人だった。「きっかけ」と「機会」があっただけ、だ。

もちろん理性で抑制できるに越したことはないが、欲望を抑えるためには「きっかけ」と「機会」を可能な限り減らすことだろう。
自分の頭だけでコントロールしようとすると、どこかで破綻する。

※ちなみに、決して彼を肯定をしているわけではない。

こういう話を聞いたり観たりすると「お金=怖いもの」というなんとなくのイメージを持つ人が多いのだろうけど、
ひふみ投信代表、藤野 英人氏が書いた『投資家が「お金」よりも大切にしていること』を読むといい気がする。きっとそのイメージが払拭されるだろう。

映画感想:『マダム・イン・ニューヨーク』は日曜の夜に鑑賞するのが最適


映画『マダム・イン・ニューヨーク』予告編


これまで5本程度見てきたインド映画。
通して感じることは「ストレート」だということである。


起承転結はあるのだが、本当に真っ当に起承転結。大どんでん返しはない。期待を裏切られないという点で、安心して観ることができる。

また、メッセージもストレート。観た人に「この映画からどういうメッセージを感じましたか?」と聞いたら、9割以上が同じことを答えるだろう。インド映画では、登場人物自身の言葉でメッセージが語られる。否が応でもメッセージが伝わってくる。

そして何と言っても、ダンス。映画の盛り上がるシーンでは、軽快な音楽が流れ、皆が踊り出す。

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そんなインド映画の印象だが、それが映画に限った話かというとそういうことでもない。
実際にインドに行って感じたインドのイメージとも合致する。

旅行者をだまそうとする悪いインド人が多くいるのだが、彼らは込み入っただまし方はしない。

空港からのプリペイドタクシーに乗っているといつの間にか「観光センター」なるものに連れて行かれ、約22万円と約17万円のツアーを提示される。

誰が騙されるというのだ。そんな高いツアーに申し込む人はいるのだろうか。
それがいるらしい。いるからそのような「素直な」騙し方をするインド人が今も存在しているのである。

※参考
【インドに行ってきた】ニューデリー1日目 - ならず犬 映画ブログ

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本作は正にインド映画の王道である。

トーリーは単純。英語のできないマダムが、単身ニューヨークに行き英語に奮闘するという話。
もちろんゲイでチャーミングな先生や振られ続けても全く折れないフランス人など魅力的なキャラクターは登場するものの、大枠のストーリーは単純で大きな驚きはない。

メッセージはとにかくストレート。この映画で伝えたいこと、それを主人公がクライマックスの部分でスピーチで語ってくれる。

そしてダンス。他のインド映画と比較して控え目だが、ご多分にもれず合間に歌とダンスが挿入される。ないと不安になり、出てくると安心する、それがインド映画のダンスである。


インド映画は、期待を裏切らない。Bad endは基本的になく、安心して観ることができる。
子どもを含めた家族で観るもよし、恋人と観るもよし、もちろん1人で観てもよい。
働いている人であれば、日曜日の夜に観るのがいいだろう。


いつか期待を裏切るような作品にも出会ってみたい気もする(ex.Bad endな作品、ダンスなしの作品)安心ブランドのインド映画、次はどんな作品が出てくるのか楽しみである。